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DIRECTORES DE FOTOGRAFÍA

YUHARU ATSUTA

Ver información de este director de fotografía en el Link a continuación:

http://www.um.u-tokyo.ac.jp/publish_db/1999ozu/english/09.html

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Kazuo Miyagawa

Kazuo Miyagawa

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Kazuo Miyagawa (宮川 一夫, Miyagawa Kazuo?, February 25, 1908—August 7, 1999) is generally recognized as having been one of the finest Japanese cinematographers.[1]

Miyagawa is best known for his tracking shots, particularly those in Rashomon, one of his three collaborations with preeminent filmmaker Akira Kurosawa. He also worked on films by Kenji Mizoguchi, Yasujiro Ozu, and Kon Ichikawa to great effect.

[edit] Filmography

Selected:

 

DESCRIPCIÓN COMPLETA DE ESTE DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA:

http://www.cinematographers.nl/GreatDoPh/miyagawa.htm


Raoul Coutard

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Raoul Coutard

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Raoul Coutard (born 16 September 1924, Paris) is a French cinematographer. He is most often associated with the nouvelle vague period and particularly for his work with director Jean-Luc Godard. Coutard also shot films for New Wave director François Truffaut as well as Jacques Demy, a contemporary frequently associated with the movement.

He shot over 75 films during a career that lasted nearly half a century.

Contents

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[edit] Biography

Coutard originally planned to study chemistry, but switched to photography because of the cost of tuition.[1] In 1945, Coutard was sent to participate in the French Indochina War; he lived in Vietnam for the next 11 years, working as a war photographer, eventually becoming a freelancer for Paris Match and Look. In 1956, he was approached to shoot a film by Pierre Schoendoerffer, La Passe du Diable. Coutard had never used a movie camera before, and reportedly agreed to the job because of a misunderstanding (he believed he was being hired to shoot production stills of the film).

[edit] Collaboration with Godard

Coutard’s first work collaboration with Jean-Luc Godard was Godard’s first feature, À bout de souffle, shot in 1959. He was reportedly “imposed” on Godard by producer Georges de Beauregard; the director had already settled on a different cinematographer.[1]

Coutard photographed nearly all of Godard’s work in the nouvelle vague era (1959 – 1967), with the exception of Masculin, féminin; their last work during this period was Le weekend (1967), which marked the end of Godard’s work as a ‘mainstream’ filmmaker. The two did not work together again until Passion; their final collaboration was Godard’s next feature, Prénom Carmen.

During the nouvelle vague period, Coutard’s work with Godard fell into two categories: black and white films, which were all shot full frame, and color films, which were all shot in widescreen. The black and white films, which were mostly made on lower budgets, are notable for their use of hand-held camera work and natural lighting, which lends them an unpolished quality. This “loose” style of shooting is what is most associated with the Godard-Coutard collaboration, because it does not appear in Godard’s collaborations with any other cinematographers. Though many of the color films, especially early ones like Une Femme est une femme (1961), feature handheld shooting, Godard’s increased use of color also saw an increased focus on immobile and tracking shots.

[edit] Post-nouvelle vague Career

After photographing some of the last films made during the nouvelle vague era – Le weekend for Godard and Truffaut’s The Bride Wore Black – Coutard worked on Costa-GavrasAcademy Award-winning Z (1969). [Coutard and Truffaut fought heavily over the cinematography of The Bride Wore Black, reported TCM host Robert Osborne after the cable network’s 2009 showing of the picture.]

In 1970, Coutard wrote and directed his first feature film, Hoa Binh, for which he won the Prix Jean Vigo and an award at the Cannes Film Festival. The film was also nominated for an Academy Award for Best Foreign Language Film. Coutard shot two more features over the course of the next fifteen years: La Légion saute sur Kolwezi[2] in 1980 and S.A.S. à San Salvador in 1983. Coutard’s cinematographer on all of his features was Georges Liron, who had been his frequent camera operator[3] during his collaboration with Godard and with whom he’d served as co-cinematographer on the Irish documentary Rocky Road to Dublin (1967).

As a cinematographer, Coutard was less active in 1970s than the 1960s. When he reunited with Godard in 1982, Coutard had shot only 7 films in a the last decade, with 5 of them in 1972-73.[4] After the two Godard collaborations, he began working more frequently again.

During the 1990s, Coutard began working with director Philippe Garrel; his most recent work is Garrell’s Sauvage Innocence, which was released 2001.

[edit] Selected filmography (as cinematographer)

[edit] Filmography (as director)


Henri Decaë

Henri Decaë

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Henri Decaë (1915 – 1987) gained fame as a cinematographer entering the film industry as a sound engineer and sound editor. He was a photojournalist in the French army during World War II. After the war he began making documentary shorts, directing and photographing industrial and commercial films. In 1947 he made his first feature film.

Decaë is strongly associated with directors who strongly influenced, or were part of, the French New Wave. These include Jean-Pierre Melville, Louis Malle and Claude Chabrol. Decaë first worked as a cinematographer with Melville on Le Silence de la Mer (1949). Decaë also edited and mixed the sound. Although Decaë worked with Melville on Les enfants terribles, which as Williams commented (1992, p333) “…the work is more accurately to be viewed as a stunning demonstration of the cinematic possibilities of faithful literary adaptation in the hands of a gifted director”, according to Marie (p 88) it was his distinctive camera work on Bob le flambeur which caught the attention of the Cahiers critics. Malle hired him for his first two features and Chabrol for his first three features. They had been lucky as Decaë was finding it hard to get work at that time as he was being informally shunned by many after participating in a critical film about the Korean War. By the time Decaë worked for François Truffaut on The 400 Blows he came with a reputation, which meant that he was the highest-paid person on the film.

Decaë’s liking for natural light, his ability to work at speed as well as his excellent photographic sensibility led to him working with René Clément on several features beginning with Plein soleil (1960). It was Decaë “…who liberated the camera, from its fixed tripod. He made the New Wave possible, backing up Melville, Malle, Chabrol and Truffaut.” (Marie, 2003 p 89)

For bibliographical references see bibliography under Cinema of France.

[edit] Selected filmography

1949 to 1967. Mainly sourced from Internet Movie Database.

This filmography shows the close involvement of Decaë with New Wave directors prior to and after the 1958-1963 breaking of the wave. Also included are the films which he worked upon with René Clément, who had previously been chastised by Truffaut as being part of the ‘Tradition of Quality’.


Sven Nykvist

Sven Nykvist (3 de diciembre de 1922, Moheda – 20 de septiembre de 2006, Estocolmo, Suecia) fue un director de fotografía sueco particularmente conocido por su trabajo con el director Ingmar Bergman. Su trabajo se caracterizaba por sus cualidades naturalistas y su sencillez.

 Biografía

Sven Nykvist nació el 3 de diciembre de 1922 en Moheda (Suecia) en el seno de una familia protestante de padres misioneros pertenecientes a la Svenska Misionsförbundet (Iglesia del Pacto Evangélico de Suecia). Durante los viajes que sus padres realizaban durante periodos de cuatro años al Congo, Sven y sus tres hermanos vivían y estudiaban en una casa de acogida para hijos de religiosos donde se les exigía un alto rendimiento académico.

Probablemente el primer contacto de Sven con el cine y la fotografía se debió al interés de su padre Gustav Natanael Nykvist por el medio: En una de las primeras cartas que este escribió desde el Congo a su primera esposa, habla de la creación de un pequeño laboratorio en el baño de su casa en pleno corazón de África y también de la adquisición de una cámara de cine manual que le permitiría documentar la labor de los misioneros en aquel país tan poco filmado hasta la fecha. La tía de Sven, también interesada por la fotografía, fue la persona que le regaló su primera cámara fotográfica y puso a su disposición un laboratorio para que pudiera comenzar a experimentar también en el campo del revelado.

Cuando Sven cumplió los quince años, sus primos, gracias al interés y destreza que Sven había demostrado con la fotografía estática le regalaron su primera cámara de cine 8mm marca Keystone. Poco tiempo más tarde por falta de otra vocación y debido a sus mediocres calificaciones en el instituto, Sven decidió comenzar a estudiar fotografía en la escuela municipal de Estocolmo. Siendo uno de los alumnos más jóvenes de la escuela Sven obtuvo el número uno de la promoción y un premio extraordinario.

A pesar de su gran expediente en la escuela, debido a su corta edad y a sus escasos conocimientos de fotografía cinematográfica, Sven tuvo que esperar y luchar mucho para conseguir trabajo en una de las productoras del país. En 1941 se le presentó su primera oportunidad de ir a hacer una prueba a una de las grandes: La Sandrews. Pasó con éxito la prueba para ayudante de cámara y a partir de entonces comenzó a trabajar en la productora, pero sin el apoyo de su familia que no consideraba el cine como un oficio digno, a pesar del interés de su padre por el mismo.

A partir de aquel momento Sven comenzó a trabajar en multitud de producciones de la Sandrews como ayudante de cámara hasta que en 1945 se le ofreciera su primera posibilidad de trabajar como director de fotografía en la película “Barnen Fran frostmofjallet” de Rolf Husbert. Sven pronto demostró ser un interesante fotógrafo de películas y dirigió la fotografía en un gran número de films suecos de bajo presupuesto a lo largo de los años cuarenta.

A finales de los años cuarenta y principios de los 50 Sven realizó dos viajes al Congo para rodar varios documentales sobre tribus primitivas y sobre el famoso misionero y pianista Albert Schwitzer. Gracias a estos trabajos Sven por fin consiguió ganarse el respeto de los miembros más reaccionarios de su familia que comprendieron que el cine también podía ser un instrumento al servicio de los más desfavorecidos. En el trascurso de uno de otros viajes Sven sufriría por primera vez los síntomas de una enfermedad crónica que le produciría vómitos y mareos de forma súbita a menudo en medio de los rodajes.

En 1953 Debido a la indisposición de Gunnar Fischer director de fotografía habitual del director más importante Sueco de todos los tiempos Igmar Bergman, Sven Nyskist tuvo la oportunidad de trabar por primera vez con él en la película “Noche de Circo”. A partir de este momento y debido a una conexión especial que se produjo con el director, Sven pasó a ser uno de los integrantes del equipo técnico de Bergman al cual le gustaba trabajar siempre con un grupo fijo y reducido de personas de confianza. Gracias a la estrecha relación artística de Bergman con su equipo y particularmente a su meticulosidad en el campo de la fotografía Sven Nykvist comenzó a realizar verdaderos progresos como fotógrafo al mismo tiempo que iría poco a poco definiendo una estética que posteriormente sería la característica más destacable de sus trabajos: El realismo y la sencillez.

Durante todo este periodo inicial de su carrera cinematográfica, Sven Nykvist no solo trabajó en Suecia sino que también fotografío algunas películas destacadas en Italia y Alemania.

Gracias al éxito internacional de las películas de Bergman, tras obtener un Oscar por la fotografía de “Gritos y susurros” y después haber trabajado con otros importantes directores europeos de la talla de Roman Polanksky; Sven Nykvist fue aceptado en la American Society of Cinematographers (ASC) abriéndosele la posibilidad de trabajar en Estados Unidos con algunos de los directores más importantes y de conocer así los últimos avances técnicos y las posibilidades de iluminación de los grandes estudios de Hollywood en los cuales la magnitud de los medios de iluminación era muy superior a la de cualquiera de sus producciones europeas. No obstante, a pesar de los medios que ahora tenía a su alcance Sven siempre se mantuvo fiel a su estilo particular, naturalista muy austero en proyectores y por este motivo los técnicos de Hollywood observarían su forma de trabajar con escepticismo hasta comprobar que su particular método de trabajo también podía producir imágenes de gran belleza.

Sven Nykvist trabajó a lo largo de su vida con directores de la talla de John Huston, Woody Allen, Louis Malle o Tarkovsky. Iluminó la cara de actores como Jack Nicholson sean Connery o Mia Farrow y obtuvo dos Oscars de la academia de Hollywood, uno “Gritos y susurros”(1971) y otro por “Fanny y Alexander”(1981). Fue merecedor también de una cátedra de fotografía en la Univesdad de Arte dramático de Estocolmo, lugar donde compartió sus conocimientos y su particular idea del tratamiento de la luz con los estudiantes de fotografía. Uno de sus lemas se trataba de esa frase que según él mismo relata en su autobiografía, tanto se utilizaba en Hollywood aplicada a la actuación de los interpretes, pero que tan poco se tenía en cuenta en otros aspectos del cine. “Less is More” (menos es más).

Sven pasó la mayor parte del tiempo de su vida dedicado a su trabajo; aquella dedicación completa le privó de la posibilidad de tener una vida familiar estable y a pesar de que fue padre de dos hijos, sus relaciones con las mujeres fueron siempre muy inestables. Tal y como él mismo afirmaba, esta soledad a la que le condenaba el trabajo no era tal puesto que allá a donde fuera siempre había algo que le hacía compañía, la luz.

 Filmografía selecta